In collaborazione con Open’er Festival
Parole: Mark Beaumont e Ali Shutler
L’Open’er Festival è orgoglioso di essere il festival più grande e diversificato della Polonia e il secondo giorno della festa del 2026 ha sicuramente mantenuto questa promessa.
Dopo un primo giorno molto amato che ha visto Florence + The Machine offrire una catarsi collettiva, David Byrne offrire un art-pop lungimirante e la continuazione del turbolento e schietto giro di vittoria di Kneecap, il secondo giorno dell’Open’er Festival ha offerto un mix ancora più eclettico di titani del pop ed eroi di culto.
Giovedì (2 luglio), gli scommettitori hanno potuto assistere alle esibizioni di Halsey, Nick Cave e The Bad Seeds, Calvin Harris e un’orchestra dal vivo che eseguiva il Concerto per pianoforte n. 1 di Chopin – e quello era solo il palco principale. Altrove, Open’er Festival ha offerto la furia post-punk di Idles, il sincero alt-pop di Renee Rapp, il rap progressivo di Audrey Nuna e un drag show gloriosamente massimalista “Main Pop Girl”, completo di coreografie brillanti, glitter e una playlist killer. Ecco cosa è successo il secondo giorno dell’Open’er Festival 2026.
Nick Cave e i Bad Seeds hanno trovato l’amore in un luogo senza speranza
“Preparatevi all’amore” ha urlato Nick Cave prima che lui e i Bad Seeds si lanciassero nel loro turbolento brano gospel punk con lo stesso nome. L’ultima esibizione europea della band è stata a supporto di “Wild God” del 2024, un album che celebrava l’eccitazione a ruota libera e il cameratismo di questo gruppo eterogeneo di musicisti, mentre il loro palco principale all’Open’er Festival era una rassegna in vaso della loro impressionante discografia. Tracce di dodici dei loro album sono apparse durante il set di due ore, con Cave che ha offerto successi crossover (“O Children”, “Into My Arms”) e brani profondi preferiti dai fan (“Hiding All Away”, “Rings Of Saturn”) con la stessa passione viscerale. “Non abbiamo molto tempo quindi faremo bang, bang, bang con le canzoni”, ha spiegato prima di una tonante “From Her To Eternity”.
Non è un segreto che la musica di Nick Cave esplori il lato più oscuro della vita. Crea canzoni contorte sulla morte, sulla fede fatiscente, sull’isolamento e sull’imminente minaccia di annientamento sia spirituale che fisico, ma dal vivo quelle riflessioni tormentate si trasformano in inni di provocatoria positività. “The Mercy Seat” era un pezzo travolgente e tremante di trascendenza alt-rock, la bellezza delicata e lenta di “Carnage” era tutta nuovi inizi e ottimismo sognante.
Nick Cave ha trascorso il set cercando disperatamente di avvicinarsi il più possibile al pubblico, stringendo le mani tese e incoraggiandoli a usare le loro voci per creare qualcosa di bello insieme. “No, mi hai salvato”, ha detto a un fan mostrando un cartello in cui ringraziava Cave per la sua musica salvavita.
C’era però un vertiginoso senso di caos in tutta la faccenda. Cave imitava un treno per il rauco “Train Long-Suffering” ed era un mostro ringhiante per il lunatico “Tupelo”. Microfoni, bacchette e archetti di violino venivano regolarmente fatti volare mentre la minacciosa “Red Hand Red” veniva trasformata in un chiassoso canto prima che “Into My Arms” guidata dal pianoforte chiudesse il sermone di due ore della band sull’amore ferito e insanguinato con un tenero inno alla fede nelle altre persone. (COME)
Calvin Harris delirava sotto la pioggia
Considerando la storica forza politica della nazione, la Polonia può gestire gli strani rave della pioggia. E mentre il cielo si abbatteva sulla folla post-Cave, Calvin Harris non aveva intenzione di lasciare che lo spirito di Open’er affondasse. “Polonia, voglio vederti saltare!” urlava come un sergente istruttore che fa il leg day. “Voglio sentirti cantare!” urlò come un Simon Cowell scozzese sotto l’effetto della metanfetamina. “Voglio vedere assolutamente tutti con le mani alzate in questo momento!” ordinò, come se volesse privare Gdynia di tutta l’atmosfera festosa che ha.
Asciugare il suo mixer con un asciugamano come se fosse davvero collegato all’elettricità ha dimostrato una vera dedizione all’idea dell’esperienza di ballo del festival dal vivo – questo era un mix per mix esattamente lo stesso set che chi scrive ha visto all’Isola di Wight due settimane fa – ma come primo dei DJ headliner dell’anno (Martin Garrix e Peggy Gou a chiudere le serate successive) Harris ha sicuramente portato vapore, laser, fuochi pirotecnici e onnipotenti colpi per sollevare il luogo da fradicio a estatico, con l’aiuto di alcune dive disincarnate. La registrazione vocale di Florence ha innalzato il rave pubblicitario di “Sweet Nothing”, quella di Dua Lipa fluttuava seducente su “One Kiss”, mentre Ellie Goulding ha elevato i suoni da pub-club del venerdì sera di “I Need Your Love” in qualcosa di simile a un evento remoto.
In effetti, per quanto la formula di successo di Harris possa essere abile nell’intelligenza artificiale, dal vivo ha alzato il livello per ottenere effetti da brivido. La sua collaborazione con John Newman “Blame” è stata costruita su ritmi sconvolgenti e warp speed house. ‘Il tono monumentale di un coro estivo avrebbe potuto ribaltare Ibiza. “Where Have You Been”, con Rihanna che interpola “I’ve Been Everywhere” di Johnny Cash, sembrava ambientata in una cattedrale dei rave. Anche i suoi riferimenti ai remix riempivano in modo impeccabile: “Insomnia” dei Faithless, “Spectrum (Say My Name)” di Florence, “Hey Boy Hey Girl” dei Chemical Brothers. Quando contò in “We Found Love” di Rihanna con un metronomo movimento del braccio, la pioggia aveva smesso di cercare di inumidire la notte e gli dei del rave avevano prevalso. (MB)
I minimi scatenarono la furia
Era chiaro dagli sguardi sui loro volti traumatizzati e spesso terrorizzati che la linea barriera di pupazzi pop-rap che avevano deciso di mettersi in prima fila per Reneé Rapp non avevano idea di cosa si stavano cacciando. Erano tutti pronti per gli artisti che si attaccavano alla tendenza della camicia da notte babydoll di Olivia Rodrigo, ma forse non un vagabondo con i baffi da tricheco che indossava un modello rosa acceso mentre lottava con una chitarra trasparente come un gatto selvatico selvaggio. Cantanti bionde in bottiglia, grandiose, ma questo esempio barbuto e muscoloso deve urlargli in faccia di “stronzi razzisti!” e guidare la folla in un coro di un “nuovo inno nazionale britannico” chiamato ‘Fuck The King’? E per quanto riguarda la folla stipata dietro di loro, beh, non c’era molto inattivo in questo gruppo…
“Fareste meglio a tornare a casa e ascoltare in streaming il nostro album, gente dannatamente meravigliosa”, ha detto Joe Talbot, dopo aver incoraggiato il suo folle manipolo di veri fan a dare loro un po’ di respiro. Questo, tuttavia, è stato l’intero intento di Idles di accogliere il pubblico pop stasera. Il loro momento difficile è stato tutto schiacciante, sporco punk ad alto numero di ottani, folla sudata e ardenti slogan politici su monarchia e fascismo (non entusiasti), immigrazione e libertà palestinese (grandi fan).
La dinamica a mani nude di “Never Fight A Man With A Perm” era una lotta da pub per le orecchie. “The Wheel” un mutante stridente “Ant Rap”, “Mother” riproposto per attaccare i fascisti polacchi piuttosto che i conservatori britannici. Mentre il chitarrista Mark Bowen saltava in mezzo alla folla e si metteva in prima fila per tenere in mano la sua chitarra in modo da poterla colpire con un bastone, Talbot era il capobanda, facendo dondolare il microfono come se prendesse nei denti dozzine di nazisti, iniziando “Dancer” con la verticale a metà testa e introducendo il punk mariachi “Divide And Conquer” come “una canzone su quanto odio il governo britannico”.
È rincuorante che, dopo cinque album, Idles possano ancora scioccare e sbalordire il nuovo pubblico, ma anche che possano entusiasmare così tanto quelli fedeli lontani. La jig dei bassifondi “I’m Scum” ha suscitato un pogo per secoli e una furiosa “Danny Nedelko” – la loro migliore canzone e probabilmente la più grande traccia punk degli ultimi dieci anni circa – ha spinto la tenda a livelli così euforici che Talbot e Bowen sono stati ispirati a cantare l’uno con l’altro un ritornello di “All I Want For Christmas Is You” alla fine. Hanno chiuso con un ‘Rottweiler’ particolarmente rabbioso e sbavante, Bowen ha dichiarato: “se potessimo suonare qui ogni sera, lo faremmo sicuramente”. Cittadinanza assicurata. (MB)
Halsey ha dimostrato di essere una vera star del rock ‘n’ roll
Halsey è ancora meglio conosciuta per i suoi zuccherati successi radiofonici crossover alt-pop, ma il suo tour “The Girl In The Tower” è una celebrazione rumorosa e provocatoria di Halsey, il dio del rock. Il suo set sul palco principale dell’Open’er Festival è iniziato con un’esplosione dell’iconico “Closer” di Nine Inch Nails come detergente per la tavolozza, prima di lanciarsi nel suo furioso “Nightmare”. La lirica ringhiante “Sono stanco e arrabbiato, ma qualcuno dovrebbe esserlo” ha fungeto da base per il suo focoso set di un’ora.
C’erano ritmi industriali minacciosi per la traccia del titolo di “I Am Not A Woman, I’m A God” del 2021, coprodotto da Trent Reznor, mentre il rave-rock fantascientifico di “Experiment On Me” si concludeva con un ringhio gutturale di morte. Il palco è stato in fiamme per l’autodistruttiva “Gasoline” e anche i successi più popolari “Closer” e “Colors” hanno ricevuto rielaborazioni a misura di headbanger.
Tuttavia, solo perché provenivano dal lato più pesante della loro discografia, non significa che Halsey abbia eliminato lo spettacolo da arena. Descritto come “una cerimonia” piuttosto che come un semplice set da festival, si sono affidati a una narrazione oscura e fantastica per lo spettacolo in tre atti, che era diviso in capitoli “La Madre”, “La Fanciulla” e “They’re Raging At Me”. Un viaggio attraverso la frustrazione, la liberazione e l’empowerment: Halsey è stata incatenata per l’arrogante ringhio punk di “Dog Years”, ha suonato una malconcia chitarra baby blue per la squallida new wave di “You Asked For This” e si è lanciata sul palco cantando canzoni di dolore, ferita e sfida.
Alla fine del set, la torre era bruciata e Halsey era rimasta con un (finto) naso sanguinante mentre eseguiva la bruciante “Lonely Is The Muse” ispirata agli Evanescent. “Non sapevo cosa aspettarmi da questo”, hanno ammesso. “Ma questo è divertente.” Anche il pubblico ha chiaramente amato gli spavaldi inni chitarristici mentre i fan irriducibili e i moshers appena convertiti pogavano, urlavano e si infuriavano all’unisono. (COME)
