Beck ha parlato con Music Attitude sull’attingere a un certo regno spirituale ed emotivo per il suo nuovo album ‘Ride Lonesome’, così come sul suo viaggio musicale, spesso incompreso, saltando tra i generi fino a qui dagli anni ’90.
Abbiamo incontrato Beck in uno studio presso gli uffici londinesi della sua etichetta dove era lucido ma certamente “in modalità jet lag, amico” – abbastanza appropriato per parlare del suo bellissimo nuovo album ‘Ride Lonesome’, che ha descritto come “al rallentatore, crepuscolo, Mojave, acustico, una trance di suoni ed emozioni”
Sono passati sette lunghi anni dal suo precedente album ‘Hyperspace’, ma il cantante, cantautore e compositore non si è riposato sugli allori. Oltre a dover affrontare la situazione temporanea dovuta al COVID e al lockdown, ha partecipato a diversi tour mondiali – inclusa la sua acclamata performance teatrale orchestrale lo scorso anno – e ha lavorato sulle canzoni che avrebbero poi costituito “Ride Lonesome” con estenuante attenzione ai dettagli.
“In un’altra epoca, probabilmente sarebbe uscito un anno e mezzo fa”, ha detto Music Attitude. “Inizialmente avrei dovuto finire questo disco e farlo uscire nel 2023, ma alla fine l’ho accantonato per due anni. Non ero sicuro delle canzoni, non pensavo che fossero abbastanza forti e semplicemente non ero dell’umore giusto per ciò che il disco avrebbe richiesto per viverlo davvero pienamente e dargli vita.”
Sarebbe giusto dire che Beck è piuttosto duro con se stesso?
“Sono realista!” rispose. “Speri per il meglio per alcune delle tue canzoni, ma man mano che invecchi diventi un po’ più realistico riguardo alla canzone e a cosa potrebbe essere.”
Un disco nel lignaggio più acustico ed emotivo dei suoi classici “Sea Change” e “Morning Phase”, vincitore di un Grammy, piuttosto che nella colonna sonora di genere rock alternativo di “Mellow Gold”, “Odelay” o “Midnite Vultures”, Beck ha collaborato di nuovo con alcuni vecchi amici per imbottigliare un diverso tipo di magia. È stato realizzato con la sua band originale in tournée degli anni ’90 che ha registrato “Sea Change” e “Morning Phase” e mixato da Nigel Godrich (che ha prodotto il primo), un gruppo di musicisti che Beck ha descritto come la sua versione “The Wrecking Crew”.
“C’è una chimica musicale che è qualcosa di gratificante per noi”, ha condiviso. “È una relazione che dura da molti decenni e che diventa sempre più profonda e assume più forme, colori e sfumature nel tempo.”
Dai un’occhiata al resto della nostra intervista con Beck qui sotto, dove ci ha anche parlato di aver messo insieme “un record di crepacuori”, della sua lotta per essere sincero quando le persone negli anni ’90 lo trovavano “nauseante” e del perché la connessione umana avrà sempre la meglio sull’intelligenza artificiale.
Music Attitude: Ciao Beck. “Ride Lonesome” è una sorta di successore spirituale di “Sea Change” e “Morning Phase”. Cosa ci vuole per far sì che questo tipo di disco dica “sex rock Beck”?
Beck: “Devi avere pazienza. Questo tipo di musica richiede molto tempo e non puoi semplicemente buttarla giù. Cantare, suonare, tutto deve colpire il giusto tipo di emozione. Alcuni giorni, semplicemente non arriva. C’è molto tempo in attesa che le cose si allineino. Ho dovuto sedermi con tutto per un po’ per avere un’idea di come cantarlo, come suonarlo, come farlo volare.”
In termini di autenticità emotiva, questi dischi attingono sempre a qualcosa. Cosa puoi dirci su dove deve essere la tua mente per entrare in quello spazio?
“Gran parte della musica è nata durante il periodo del COVID e molte canzoni sono state scritte perché sono rimasto chiuso in casa da solo per un paio di settimane. Succede in modo organico. Non è qualcosa che puoi controllare o pianificare, ma è dove mi trovavo.”
Cosa lo distingue da “Sea Change” e “Morning Phase”?
“Penso che sia più legato a ‘Morning Phase’ che a ‘Sea Change’. Nel bene e nel male, all’inizio non definivo o differenziavo i diversi tipi di dischi che avrei realizzato. Ho iniziato registrando più dischi folk di cantautori su cassette e cose del genere, poi ho avuto questa cosa fortuita che ho fatto con “Loser” e si è parlato molto prima che uscisse il mio primo album: “Li chiamiamo come due cose diverse?” Il mio manager e l’etichetta dicevano: ‘No, chiamiamoli la stessa cosa’.
“L’etica all’epoca era che il pubblico avrebbe dovuto accettare tutto, nel bene e nel male. Alcuni dei miei colleghi hanno progetti diversi, come un progetto di danza elettronica e un vero e proprio gruppo rock, poi preferiscono cose più compositive o cantautori e le chiamano in un altro modo. Io non l’ho fatto davvero. Ha creato un po’ di confusione, ma c’è sicuramente un’etica diversa per questo tipo di disco piuttosto che una come ‘Midnite Vultures’, che è quasi un progetto diverso.”
Dal punto di vista dei testi, cosa stavi cercando in questo album?
“È una specie di disco che spezza il cuore. È abbastanza ovvio! Gran parte della scrittura è molto diretta. Si tratta di fare i conti con la perdita, lasciare andare le cose, navigare in questi luoghi emotivamente impossibili e cercare di superare quei momenti.
“C’è una perdita romantica, c’è la perdita di una persona cara – un buon amico – e il cambiamento di epoche della tua vita. Questo è il tipo di canzoni che volevo fare quando ero giovane, ma il clima musicale dell’epoca era piuttosto inospitale per questo tipo di musica. Ci è voluto molto tempo per trovare quel tipo di coraggio per essere così diretto ed emotivo. Sono arrivato in un momento in cui ti alzi in un bar, in un club o in un bar per tutte le età o qualcosa del genere, inizi a strimpellare elegiacamente e sei fischiato, fatti lanciare oggetti e fatti criticare.
“Mi intrufolavo o restavo per me. C’erano band e artisti che conoscevo. Ero amico di Elliott Smith, Lou Barlow: scrivevano musica più tranquilla e introspettiva in un periodo in cui semplicemente non era di moda. Ricordo di essermi sentito nervoso per loro perché avevo il mio disturbo da stress post-traumatico nel cercare di gestire quella situazione. Ricordo di aver provato a eseguire canzoni sentite e musica acustica pizzicata con le dita, e alla fine urlavo semplicemente ‘MTV MAKES ME WANT TO SMOKE CRACK’, poi le persone hanno alzato i pugni in aria ed erano felici di sentirlo.
C’era uno strano equilibrio negli anni ’90 quando la gente diceva di volere l’autenticità ma allo stesso tempo la sincerità sembrava…
“… nauseabondo, sì. Non credo che le altre generazioni abbiano dovuto affrontare una cosa del genere. C’è una moda per ogni momento. I Led Zeppelin non cercavano di fare musica da big band, Frank Sinatra non cercava di suonare stornelli da music hall o qualunque cosa fosse possibile fare nella generazione precedente. Sarebbe stato difficile provare a fare un disco come questo allora.”
In questo momento, folk e country sono così in voga, ci sono molti giovani artisti indie e pop che uniscono generi e suoni come hai fatto tu, la “musica da camera da letto” può riempire le arene ora. Ti senti accettato adesso e senti la tua influenza?
“Non proprio. Ho molti coetanei di cui vedo la loro influenza ovunque. È lo stesso modo in cui non canti le mie canzoni al karaoke, i testi sono troppo strani. Molti dei miei coetanei hanno scritto fantastiche canzoni per il karaoke che chiunque poteva cantare. Quando ero più giovane cercavo sempre di decostruire e cercare di sovvertire proprio la canzone su cui stavo lavorando, quindi molte di queste non favorivano un’influenza diretta.
“Non credo che i più giovani noterebbero che i miei primi dischi erano davvero aggressivamente ribelli al genere. Adesso è qualcosa di scontato, ma all’epoca era altamente trasgressivo. Ricordo di aver ricevuto un sacco di merda per questo, soprattutto dai giornalisti.
“Lo capisco, ma all’epoca mettere insieme i generi in modo quasi antagonistico era per me quasi una sorta di punk rock postmoderno. Non si poteva davvero scioccare la gente con il volume o anche solo con il contenuto dei testi. Anche i Pixies, che erano alla ricerca del punk, il modo in cui scioccavano la gente era musica davvero aggressiva con melodie davvero carine e dolci. Quello era punk. Per me l’unica cosa che era punk era spaccare palesemente il rap con la poesia country, noise e simbolista e vedere cosa succede. Ricordo di essere stato dicevo costantemente che questo veniva percepito dalle persone come una sorta di insincerità, o una mancanza di spina dorsale per rivendicare il mio suono e il mio angolo.
Allora ti chiamavano “slacker rock”, ma in realtà ti impegnavi parecchio…
“Sì, è stato divertente. Il mio background era lavorare tutto il tempo solo per sopravvivere. Mi sarebbe piaciuto vivere quella vita di periferia, vivere nel garage dei miei genitori e non aver bisogno di avere un lavoro… ‘fannullone’, come si suol dire. La generazione precedente lancerà sempre qualche nome o slogan alle generazioni più giovani per abbassarle di livello o almeno essere riduzioniste.
“Di recente è apparsa una clip di Dean Martin (che adoro) che presenta i Rolling Stones nel suo programma televisivo, e sta alzando gli occhi al cielo. Di recente ho parlato con Conan O’Brien e ha detto che ha sempre adottato una politica per non fare mai battute sugli artisti, specialmente sugli artisti più giovani che non erano della sua generazione. Questo non viene mai bene nella storia. Ho sempre pensato che sia importante accogliere o supportare i nuovi artisti che emergono.”
Come pensi che se la sarebbe cavata il giovane Beck nel panorama attuale?
“Penso che ci sarebbe molto più spazio e accettazione. C’erano molte regole all’epoca in cui stavo emergendo. Sono sicuro che i Radiohead o Björk o chiunque altro emergesse in quel momento avrebbero dovuto dire la stessa cosa. Dischi come “Post”, “Homogenic” o “Kid A” stavano davvero scontrandosi con muri di resistenza. Ricordo di averlo colpito con “Odelay” e persino “Sea Change”. La gente se ne andava furiosamente da quegli spettacoli e io persi un Mi sono sentito un po’ autodistruttivo con il mio pubblico, ma l’intuizione è sempre corretta. Quei dischi sono probabilmente più popolari tra le persone che vengono ai miei spettacoli adesso rispetto a quelli che all’epoca vendevano infinitamente di più”.
A proposito di intuizione, si parla molto dell’uso dell’intelligenza artificiale nella musica – con Dr. Dre che la “abbraccia” come strumento. Hai appena fatto un tour orchestrale che è uno sforzo molto umano e hai realizzato un album come questo. Dove ti trovi?
“Questo mi ha motivato negli ultimi anni. La maggior parte di queste canzoni sono state registrate dal vivo in una stanza. Sono solo cinque persone in una stanza che suonano: senza prendere pugni, registrare senza modifiche, questo è quello che siamo e questo è il modo in cui suoniamo insieme seduti in uno spazio in tempo reale.
“Non dico che sia meglio che programmare qualche beat sul tuo laptop, va bene. Preferisco solo uno sforzo più umano. Mi sono trovato molto attratto dalle orchestre negli ultimi dieci anni, e ci vado parecchio. Per un paio d’anni andavo da loro ogni settimana, solo per sedermi lì in una stanza in questo modo ridicolmente antiquato di fare musica quando possiamo avere un’orchestra sul nostro iPhone.
“La bellezza di 80 persone sedute insieme, che suonano un brano musicale, sembra così umanamente indulgente. In un mondo in cui le cose vengono ottimizzate e razionalizzate, sembra così meravigliosamente controintuitivo e allo stesso tempo umanizzante e gratificante. Non riesco proprio a capirlo.
“Come ogni tecnologia, ci sono grandi vantaggi, ma si perdono anche grandi cose. Si guadagna e si perde ad ogni passo. Non avevo un iPhone fino a cinque o sei anni fa. Ho resistito per molto tempo.”
Quanto eri più felice?
“Stavo meglio, tutti i miei occhi stavano meglio.”
Possiamo aspettarci un tour molto “umano”?
“Il tour sarà molto diverso. Sarà diverso da qualsiasi altro tour che ho fatto. Sarà sicuramente un’esperienza. Sarà lento e oscuro con una qualità di alterità e lontananza. Non voglio che sembri uno spettacolo rock, sceglierò una produzione teatrale diretta da Robert Wilson o qualcosa del genere.”
Hai realizzato l’album con il tuo vecchio amico e batterista Joey Waronker, che si è unito a te alla Royal Albert Hall l’anno scorso durante una pausa dal tour con gli Oasis. Sarà con te ai tuoi spettacoli nel 2026 e nel 2027?
“Non capisco Joey. È un uomo impegnato, ma ha suonato nel disco e suoniamo sempre insieme quando ne abbiamo la possibilità.”
Stai già pensando al prossimo disco? Ci vorranno altri sette anni?
“Sono sempre nel mezzo di una serie di progetti. Ho dischi che sono rimasti in sospeso per molti anni. Sono pronti quando sono pronti. Quando è uscito ‘Sea Change’ la gente si chiedeva: ‘Da dove viene?’ A quel punto stavo lavorando su un disco del genere da una dozzina di anni. Alcune delle canzoni di “Sea Change” avevano ormai 10 anni. Speriamo che non ci sia un intervallo di sette anni”.
Beck pubblicherà “Ride Lonesome” il 18 settembre tramite Capitol Records, prima dell’inizio del tour in Nord America il 22 settembre. Visita qui per biglietti e ulteriori informazioni.
